Юрий Виноградов
Почти 200 живописных полотен, десятки театральных костюмов и даже ароматы собрали в павильоне №1 «Центральный» на ВДНХ. Но главное здесь даже не масштаб выставки, а возможность посмотреть на академическую живопись с неожиданной стороны.
ВДНХ продолжает развиваться как одно из главных культурно-просветительских пространств Москвы. После завершения реставрации павильон №1 стал площадкой для крупных музейных проектов: здесь уже показывали произведения из собраний Третьяковской галереи и Русского музея, а 10 сентября открылась новая выставка — «Искусство сцены. Академическая живопись», приуроченная к 150-летию Союза театральных деятелей России.
В одном пространстве встретились полотна из крупнейших художественных собраний страны, коллекции ведущих российских театров и произведения региональных музеев. Среди участников проекта — Государственный Русский музей, Государственная Третьяковская галерея, ГМИИ имени А. С. Пушкина, музеи Большого и Мариинского театров и другие учреждения культуры — всего в выставке участвуют 32 музея страны.
Но интересна выставка не только количеством экспонатов. Главный вопрос проекта звучит неожиданно: что общего у театральной сцены и академической картины? На первый взгляд — только зритель. Но ответ стоит искать не в изображении актёров или театральных декораций, а в самом устройстве художественного произведения.
Картина как сцена
Академическая картина может быть неподвижной, но устроена она иногда совсем как театральная сцена. Художник выбирает момент действия, расставляет персонажей, задаёт им позы и жесты, направляет их взгляды и тем самым управляет вниманием зрителя. Один поворот фигуры или движение руки уже становится частью визуальной драматургии. Поэтому на выставке живопись предлагают рассматривать не только как изображение, но и как постановку — с собственной мизансценой, кульминацией и героями. Спектакль длится столько, сколько человек готов всматриваться в холст.
Эта связь особенно заметна в портретах людей театра: художник передает не только внешность человека, но и его характер, индивидуальность, а иногда и сценический образ. На выставке можно увидеть портреты Якова Шумского, Екатерины Семёновой, Фёдора Шаляпина и других артистов и деятелей сцены. Среди них и портрет Федора Волкова работы Антона Лосенко. Мало кто знает, что он был не только основателем русского театра, но ещё и живописцем.
Семь залов русской живописи
Экспозиция охватывает несколько столетий развития академического искусства и проходит через семь тематических разделов — от Петербурга и истории Санкт-Петербургской академии художеств до библейских и мифологических сцен, исторических и жанровых произведений, характеров и портретов. Завершает маршрут блок «Театр в деталях» с подлинными театральными костюмами.
За это время меняются сюжеты, художественные приёмы и представления о герое, но неизменным остаётся внимание к позе, жесту, взгляду и композиции. Именно через эти выразительные средства выставка показывает, как театральность становится частью языка русской живописи.
Куратор выставки, ректор Санкт-Петербургской академии художеств имени Ильи Репина Семен Михайловский: «В третьем зале я обязательно советую увидеть «Адама и Еву с детьми под деревом» Андрея Иванова. Очень интересен и портрет Льва Толстого в Яблоневом саду работы Рябина. Рядом мы повесили этюд Сурикова из Вятского музея, и эти две работы очень хорошо рифмуются между собой. «Гадалка» Шибуева, «Мефистофель» Репина из Перми — потрясающие. И, конечно, нельзя не обратить внимание на огромный портрет Ершова из фойе Мариинского театра, который мы с большим трудом привезли в Москву. Картина оказалась настолько большой, что не проходила в двери, и в театре уже подумали, что работа никуда не уедет. Тогда я предложил снять раму. После этого портрет удалось вынести, и он всё-таки приехал в Москву. Портрет относится к раннему периоду творчества, 1906-1907 годам, и для нас было очень важно привезти её на выставку, чтобы как можно больше людей увидели её».
Из Михайловского дворца в Санкт-Петербурге в Москву приехал и «Дмитрий Донской на Куликовом поле» Ореста Кипренского — полотно размером 1,18 на 1,67 метра. Кипренского, прежде всего, знают как портретиста, поэтому историческая картина для него — не самый очевидный жанр. Тем интереснее рассматривать её здесь: масштабный исторический сюжет развернут в тщательно выстроенную композицию, где каждая деталь работает на драматизм происходящего.
Всего на выставку свои работы отправили музеи из 12 городов России. Из Самары привезли «Прометея прикованного» Павла Венига, из Перми — «Мефистофеля» Ильи Репина, из Нижнего Новгорода — «Минина и Пожарского» Михаила Скотти, из Чебоксар — «Самсона и Далилу» Алексея Кившенко. В Москве эти произведения, обычно хранящиеся далеко друг от друга, оказались в одном пространстве и стали частью единой истории.
Театр выходит из картины
Первые шесть залов рассказывают о театре языком живописи: через исторические сюжеты, композиции, жесты, характеры и портреты. А в последнем появляются настоящие театральные костюмы из собраний ведущих российских театров. Рядом представлены графика, гравюры, скульптура и редкие книги XVIII–XIX веков, но именно костюмы позволяют впервые увидеть сценический образ уже не глазами художника, а почти в его натуральном виде.
На сцене костюм существует в движении, работает вместе с актёром, светом и декорациями и в первую очередь воспринимается как часть спектакля. В экспозиции же его можно рассмотреть с близкого расстояния. Об этом на открытии выставки говорил актёр Виктор Добронравов: «Эта выставка — бриллиант в короне ВДНХ. Сама атмосфера выставки как будто в разы расширяет тот павильон, в котором она проходит. В последнем зале много театральных костюмов, и для зрителей это шанс рассмотреть вблизи жемчуг, материалы и вышивку, которые так близко на сцене не увидеть».
Связь театра и живописи для самих артистов начинается ещё во время учёбы. На открытии выставки об этом рассказала Юлия Пересильд, актриса театра и кино, заслуженная артистка России, член Союза театральных деятелей и амбассадор ВДНХ: «Уже на первом курсе у артистов есть задание «Портреты»: выбираешь любимую картину и делаешь с ней этюд. Это упражнение приближает артиста к живописи: нужно походить по музеям, почитать о живописи, чтобы глубже понять картину. Безусловно, эта выставка — прекрасный диалог театра и живописи».
Ещё один необычный элемент экспозиции — ольфакторные станции. Для каждого зала парфюмеры разработали собственную ароматическую композицию, соответствующую его теме и атмосфере. В пространстве «Петербурга», например, звучат ноты полыни, кипариса, чёрного чая и табака. Этот приём добавляет к привычному визуальному восприятию ещё один слой. Образ города здесь можно не только рассматривать, но и связывать с определённым запахом. «Это даже не 3-d эффект, это гораздо больше. Я вот мечтаю, чтобы ароматы появились и в театре», — призналась актриса.
ВДНХ как пространство для большого искусства
По словам генерального директора ВДНХ Сергея Шогурова, появление таких значимых проектов стало возможным благодаря программе «Возрождение ВДНХ», которая реализуется с 2014 года. Исторические павильоны получают новые функции, а сама территория всё активнее работает как пространство для выставок, просвещения и культурного диалога. «Первый павильон, в котором мы сегодня находимся, превращается в современное выставочное пространство и фактически становится флагманом показа национального искусства. Дальнейшее развитие ВДНХ связано с реализацией новых проектов. Это и строительство Большого Экспо, которое в ближайшее время будет сдаваться в эксплуатацию, и новая реставрация павильонов. Я уверен, что новая выставка, её историческое название и образ всего пространства ВДНХ, гармонично сочетаясь, будут привлекать новых посетителей», — отметил Шогуров.
Для ВДНХ это продолжение курса на крупные культурные проекты, рассчитанные на широкую аудиторию. Выставка «Искусство сцены. Академическая живопись» будет работать в павильоне до 17 января 2027 года. И за её пределами останется главный вопрос проекта: насколько близки на самом деле театр и живопись? Судя по экспозиции, у них гораздо больше общего, чем кажется на первый взгляд.
